Quand le son donne le La dans les jeux vidéo

Depuis les années 1970 et la bande monographique de Pac-Man, la musique a fait son chemin dans l’univers des jeux vidéo, jusqu’à en devenir une composante non négligeable. Et pourtant, elle n’est souvent considérée que comme un détail, un petit plus parfois superficiel. Certains jeux refusent cette situation et intègrent le son au gameplay pour en faire un élément indispensable à l’expérience des joueurs.

Dans It Takes Two, les deux personnages doivent travailler main dans la main dans un univers musical. © Capture d’écran du jeu

parAlexandre Saliba
publié le15 mars 2025

Toute personne qui a déjà joué à un jeu vidéo se souvient de quelque chose en particulier. Pour certains c’est le gameplay (la façon de jouer), d’autres l’histoire prenante, d’autres encore le temps passé. Quelques uns enfin parleront de la musique qui se faisait entendre en arrière-plan, qui couvrait chacune de leurs actions et qui résonne encore à leurs oreilles. Parfois discrète, parfois tonitruante, elle reste souvent à sa place de bande-son, simplement spectatrice des actions du joueur. Il arrive cependant qu’elle prenne une place plus importante, jusqu’à devenir une mécanique à part entière.

Utiliser la musique comme un moyen de diversifier le gameplay

Dans The Last of Us Part II – lauréat du Game Award du meilleur design audio en 2020 -, Ellie se lance dans une quête de vengeance effrénée qui la pousse dans ses retranchements. Considéré comme l’un des meilleurs jeux d’action-aventure de ces dernières années, il allie à sa narration sans pareille une bande-son profonde. Un détail a toutefois marqué les joueurs, c’est la possibilité de jouer de la guitare à quelques reprises durant l’histoire. En effet, Ellie joue plusieurs fois quelques notes de chansons qui lui tiennent à cœur. Ces moments auraient pu faire partie d’une cinématique, mais c’est au joueur qu’est laissée cette responsabilité. Avec quelques mouvements sur le pad tactile de la manette, le joueur gratte les cordes de l’instrument et en change les accords afin de jouer le début de Take on Me. The Last of Us Part II n’est pas un jeu de rythme : ces scènes sont plus une exception qu’une norme, mais c’est là une bonne façon de renouveler le gameplay pour le joueur.

Laisser le joueur s’amuser avec une mécanique musicale

Cette production du studio Naughty Dog n’est pas la première à offrir un accessoire musical au joueur. La série The Legend of Zelda le faisait déjà 22 ans auparavant avec Ocarina of Time. A la différence de The Last of Us Part II, et comme son titre l’indique, le héros nommé Link peut se servir tout au long du jeu d’un ocarina, et non pas seulement lorsque le jeu le décide. Lorsque le joueur souhaite l’utiliser, l’instrument à vent s’affiche, ainsi que les touches correspondant aux trous. Il faut alors jouer des combinaisons précises pour déclencher un effet : faire gronder une tempête, appeler son cheval ou bien se téléporter dans l’un des temples à purifier. Mais Link peut également dégainer son ocarina en plein milieu de la plaine d’Hyrule pour souffler des notes au hasard et essayer de créer sa propre mélodie composée de 8 notes. Selon Fanny Rebillard, autrice d’un mémoire sur le sujet et journaliste, c’était la volonté du studio Nintendo de laisser le joueur “s’approprier l’instrument pour rendre plus tangible l’univers et l’histoire.”

Il est néanmoins difficile de s’extirper complètement d’une histoire entrainante pour devenir musicien, comme c’est souvent le cas dans les jeux de ce genre. Fort heureusement, d’autres existent pour laisser les joueurs assouvir cette envie. Dans Sea of Thieves, les pirates contrôlés par les joueurs peuvent faire une pause dans leurs expéditions pour s’adonner à un petit moment musical. Il n’est pas possible de contrôler chaque note cette fois-ci, mais il y a un plus grand choix d’instruments et de chansons. Un joueur pourra ainsi jouer We Shall Sail Together au banjo, et être rejoint par ses camarades qui joueront en concert avec leurs propres tambours, accordéons et autres. Aucun intérêt narratif cette fois, ces instruments ne sont là que pour le plaisir des oreilles et pour passer le temps lors des longs voyages en mer.

Quand les joueurs et le son ne font qu'un

Au cours de cette dernière décennie, un souffle de fraîcheur a traversé le domaine du jeu vidéo pour répondre aux attentes des joueurs en quête de nouveautés. Moins riches que les mastodontes de l’industrie, certains studios indépendants ont su redoubler de créativité pour se distinguer.

Quoi de mieux qu’utiliser le son d’une façon innovante pour cela ? C’est le pari qu’a fait Crypt of the Necrodancer en 2014. Le jeu est un roguelike, c’est à dire que le joueur évolue à travers des niveaux générés aléatoirement, et doit recommencer depuis le début à chaque échec. Le twist ici, c’est que le joueur et les ennemis bougent en rythme sur les battements d’une musique électro. Perdre le tempo empêche le mouvement et expose à des dégâts. Ainsi, la musique est presque la composante principale du jeu : elle est impossible à ignorer, même si des réglages d’accessibilité peuvent faciliter les parties.

Bien qu’il ne s’agisse pas là d’un idéal à atteindre pour tous les jeux, Crypt of the Necrodancer est l’exemple d’une transgression des genres qui montre bien comment les classifications des jeux vidéo sont poreuses. Le son et la musique ne doivent pas être considérés comme un détail, mais comme le moyen de transmission d’un message entre le jeu et le joueur.

Evolution de la musique dans les jeux vidéo

1972 : Pong, communément admis comme le premier jeu vidéo, ne comporte que des bip en guise d’effets sonores

1978 : Space Invaders ajoute des bruits pour chaque action et introduit une musique de fond simple

1980 : Pac-Man, réel succès commercial, bénéficie de sons pour chaque action et d’une bande-son mémorable.

1983-1985 : La console Nintendo NES offre des capacités audio améliorées. Super Mario Bros et The Legend of Zelda profitent de ses avancées pour avoir une bande son iconique.

1991 : Sonic the Hedgehog est le premier jeu à intégrer des musiques de fond distinctives et dynamiques.

1994 : La Playstation et ses CD-ROM permettent des bandes son orchestrées.

1997 : Michael Giacchino compose la musique du jeu Le Monde Perdu : Jurassic Park. C’est le tout premier jeu à avoir une musique orchestrale originale.

2001 : Halo utilise du son en 3D avec des effets sonores directionnels pour améliorer l’immersion du joueur

2011 : The Elder Scrolls V: Skyrim popularise les bandes-son interactives, qui changent en fonction de l’environnement du joueur